藝術之旅─華府國家藝術館簡介﹝下﹞

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藝術之旅─華府國家藝術館簡介﹝下﹞

馬作忠

February, 2008

Gleaners 1875

Angelus 1857

Millet to Taiwan

WCLS_Feb_Meeting

 

   3. 十六世紀義大利繪畫: 

            如果用“達文西”來指“Leonardo da Vinci”是錯誤的。“da Vinci”並不是他的姓,而是來自Vinci的意思。積非成是並不只這一樣而已,所以我還是依慣例稱他是“達文西”。達文西說過肖像畫必須畫出內心的感覺。可能不容易,所以他一生只畫過三張肖像畫,而且巧合的是每15年畫一張。第一張是在國家藝術館的“Genevra de Benci”,三百年前是屬於瑞士和奧國之間的小國Liechtenstein﹝面積24平方公里,人口不到三萬五千人﹞。1967年該國王子Franz Joseph發佈出賣的消息,數家藝術館﹝包括義大利的﹞競爭著,結果由國家藝術館的最高價五百萬美元買下。達文西的第二張肖像是“Lady with an Ermine”﹝抱著白鼬的貴婦﹞,現存於波蘭的Krawkow。最後一張是“莫娜麗莎” ,最有名,一直存於巴黎羅浮宮,但曾出國一次來美,那是1963年甘奈迪當總統時。她在華府停留三週,第一天有一萬人排隊見過她的微笑。達文西另一著名的作品是在義大利米蘭的一家教堂的壁畫“最後晚餐”。耶穌說:「你們當中有一個出賣我」。十一位門徒聽了大驚,議論紛紛,只有猶大坐著不動,沒有反應,他就是出賣耶穌的門徒。 文藝復興全盛時期﹝High Renaissance﹞的第二位健將是米開郎基羅﹝Michelangelo Buonarroti 1475-1564﹞,他沒有作品在國家藝術館,所以必須去義大利才看得到他著名的藝術品:裸體雕像“大衛”﹝在佛羅倫斯﹞,西斯汀教堂的壁畫“創世記”和“最後審判”, 和雕像 “Pieta”﹝在羅馬梵諦岡﹞。 第三位健將是拉斐爾﹝Raphael Sanzio 1483-1520﹞,他有數幅畫在國家藝術館。拉斐爾是位天才的學生,很快就學到老師Perugino的真傳。他先到佛羅倫斯,融貫達文西和米開郎基羅的畫法後到羅馬發展,在那裡他的作品成熟,呈現詩與戲劇的力量,也展現了豐富的外表和雕像般的立體感。他在梵諦岡宮室的“雅典學院”被推崇為文藝復興全盛時期古典精神的代表作。他畫一群著名的希臘哲學家,或動或靜地圍在柏拉圖和亞里斯多德旁,每個學者都表現出自己的特性。圖中建築物,充分利用了焦點透視法,很有深度。他在國家藝術館的“Alba Madonna”畫中的人物顯得高貴、美麗和背後非常自然的風景。

  同一時期的威尼斯,畫家畫出光明和鮮艷色彩的神話故事,最著名的是“Feast of the Gods”﹝神仙的歡樂﹞,它是貝里尼﹝Giovanni Bellini 1430-1516﹞84歲時完成,15年後提香﹝Tiziano Titian 1487-1576﹞受命將背景的樹林改畫成森林和山丘。 

  4. 十五世紀到十六世紀北方繪畫: 

        在阿爾卑斯峰北邊的“法蘭德斯”﹝Flanders ,包括當今的荷蘭、比利時、盧森堡和部份法國﹞地區的畫家,例如宮班﹝RobertCampin 1378-1444﹞和范艾克﹝Van Eyck ?-1441﹞,和義大利畫家同樣注重自然。范艾克還被尊為油畫的創始人。油畫的發明,使畫家能夠繪畫人物和風景類似照相般的真實。當時的藝術家,順應教會和富人的需求,創造各種繪畫、雕像、掛毯和裝潢藝術品,對於中產階級的新顧客,則製出較小,掛在屋內的宗教繪畫和肖像畫。魏登﹝Rogier van der Weyden 1400-1464﹞和哥薩﹝Jan Gossaert 1478- 1532﹞都是有名的肖像畫家。當德國的都羅﹝Albert Durer 1471- 1528﹞利用版畫將義大利文藝復興的畫型介紹到北方後,畫家開始引用古典的題材和雕像型的人體,但仍保持注重細節的傳統。

  油畫的傳入,使義大利尤其是威尼斯的畫家如魚得水,繪出更多的色彩艷麗的作品。除了提香以外,吉奧喬尼﹝Giorgione 1477-1510﹞、丁多利托﹝Jacopo Tintoretto 1518-1594﹞和加里亞利﹝Paolo Caliari 1528-1588﹞都有作品在國家藝術館。 

  1. 矯飾之義”﹝Mannerism﹞: 

           文藝復興全盛時期中止於1520年,因拉斐爾的逝世和羅馬的戰亂。義大利中部一群畫家發展出所謂“矯飾之義”﹝Mannerism﹞,故意將人體畫成瘦長,配上不自然的光線和顏色,加上空間狹窄和複雜的構圖。對於從希臘的克里島﹝Crete﹞來義大利學畫的Domeniko Theotopolus﹝1541-1614﹞影響最大。他到西班牙定居,當地人無法發音,就稱他為El Greco﹝希臘佬﹞。他以此型發揚光大而揚名。 

  1. 巴洛克﹝Baroque﹞:

        義大利畫家不久放棄“矯飾之義”而回歸於更自然的型態成為巴洛克﹝Baroque﹞,那是因為天主教對宗教改革的反擊,鼓勵藝術家創造宗教題材而且用特殊的畫法來吸引教徒。卡拉瓦喬﹝Caravaggio ?-1610﹞可說是開山祖,他的畫型深深地影響了十七世紀歐洲的畫家。其特點是用戲劇性的構圖和極亮的光來呈現其感人度。它經常在陰暗的背景中,讓人物有向我們衝來的樣子。這些作品充滿了戲劇性,用當代的人物來扮演遠古聖經時代的故事。 

  1. 十七世紀北歐繪畫:

           位於北方的佛蘭德斯仍舊喜歡寫真主義﹝Realism﹞。從16世紀以來,宗教和政治的紛爭,將該地區的南北分裂成兩個社會價值觀和藝術嗜好不同的國家。南方的Flemish﹝現今的比利時﹞仍舊是天主教和支持皇室的國家。魯本斯﹝Peter Paul Rubens 1577-1640﹞和他的學生載克﹝Anthony Van Dyke﹞是榮耀天主教和皇室的畫家。他們採用偉大的主題、生動的構圖和鮮艷的色彩。魯本斯的“但以理和獅子群過夜”﹝Daniel in the Lions' Dan﹞使觀畫者有和獅群同處一室的感覺。

     北方的荷蘭則成為共和國和信新的基督教﹝Protestant﹞。十七世紀的荷蘭人喜好描畫他們的世界的繪畫,包括風景、海景、人物、活動、室內、食物和花草等等。著名畫家林布蘭﹝Rembrandt van Rijn 1606-1669﹞和維梅爾﹝Johannes Vermeer 1632-1675﹞都在他們的繪畫中埋入生活的教訓:人生是短暫的。 

  1. 十七世紀到十八世紀法國繪畫:

            從十七世紀到十八世紀,法國一直在絕對皇權統治之下。藝術家的主旨在於榮耀皇室和政府。很多藝術家旅行到義大利去吸收當時和文藝復興全盛時期的觀點和藝術精髓。法國人因而喜好理想化和高尚情操主題的藝術。普桑﹝Nicolas Poussin 1594-1665﹞和克勞德﹝Claude Lorraine 1600-1682﹞就是這一類的畫家。

  1648年法國皇家﹝藝術﹞學院成立,強調藝術作品必須具備“道理、紀律和秩序”﹝Reason, Discipline and Order﹞ ,不過靜物和風俗的作品也仍然風行。夏丹﹝Jean Brptiste Simeon Chardin 1699-1779﹞是這一類的畫家。 

  1. “洛可可”﹝ Rococo﹞:

       路易十四自我榮耀的意圖得到藝術家的支持,但繼承的皇室和貴族則喜好較輕巧細膩的畫型,這種畫型被稱為“洛可可”﹝Rococo﹞。於是藝術家的宗教和歷史畫減少而著重於神話故事和日常生活的題材以及肖像畫。華鐸﹝Antoine Watteau 1684-1721﹞喜用公園之類的景致為背景,描繪處於其間的貴族或喜劇演員,而且常將舞台和真實生活編織在一起,讓人無從分辨。他的畫型接近魯本斯,但筆觸更強烈,帶有詩般的精妙品味,畫中的人物纖柔優雅,舉手投足間,流露出自信,比真實人物更動人。追隨他的畫家包括包加﹝Francois Boucher 1703-1770﹞和學生福拉哥納爾﹝Jean - Honore Fragonard 1732-1806﹞。

  在法國革命﹝1789﹞之前,新古典主義開始流行。達維﹝Jacques - Louis David 1748-1825 ﹞利用革命性的思想改變,他的擁護拿破侖得到官方藝術家的任命。他的拿破侖肖像畫畫得有如文藝復興全盛時間拉斐爾的畫,將拿破侖畫成英雄人物,高貴而偉大。他的學生英格﹝Jean - Auguste - Dominique Ingres 1780-1867  ﹞不參與政治而尋求新古典主義的完美,堅持線條的重要和鮮明的顏色。

  1. 英國繪畫:

     十八世紀和十九世紀,皇家和官員的肖像畫不但流行於法國,西班牙和英國也一樣。

     英國的著名肖像畫家是雷諾茲﹝Joshua Reynolds 1723-1792﹞和根茲包羅﹝Thomas Gainsborough 1727-1788﹞,後者還著名於風景畫。他們的肖像畫,人物如古典時期或文藝復興全盛期的逼真、高貴和優雅還加上顯示社會地位的飾物。根茲包羅從未去過歐洲大陸旅行,但其他畫家都去過歐洲,尤其是威尼斯而帶回畫著當地風景和建築物的畫,很受歡迎。英國偉大的風景畫來自十九世紀前半的康斯塔伯﹝John Constable 1776-1837﹞和泰納﹝William Turner 1775-1851﹞。前者的作品都以一般人熟悉的英國鄉村為主,但他的重點不是具體事物而是光線和大氣﹝Atmosphere﹞,大地常是陪襯,而千變萬化的風、陽光和雲朵才是主角。泰納的畫格更是複雜和多變,國家藝術館有特展﹝2007年10月至2008年1月6日﹞展出他的146幅作品,請參閱2007年11月的“畫家泰納”。他們兩人的畫深深影響了歐美後來的畫家。 

  1. 浪漫主義﹝Romanticism﹞:

     法國革命前的啟蒙運動不但解除理性的束縛,也滋長了敵對的勢力,那就是以感情為主的浪漫主義﹝Romanticism﹞。當時想要反抗社會階級、宗教或既定價值的人,不是以理性的信仰來建立一套新秩序,就是以追尋感情經驗為目標,而兩類人共同的心願就是“回歸自然”。理性主義者認為自然是理性之源,浪漫主義者眼中的自然則是無窮、荒蕪、恆變、和壯觀。浪漫主義的藝術家向過去搜索能引起自己共鳴的風格,並非一家而是各種風格。事實上浪漫主義藝術的特色就在重新發現和利用已被屏棄的形式,因此新古典主義也是浪漫主義的一支,至少十九世紀時是如此。

  在這裡我要先提起西班牙唯一有資格稱為天才的畫家哥雅﹝Francisco Goya 1746-1828﹞,他在1780年代末期,雖是宮廷畫師,但也吸收了法國啟蒙運動中的自然思想,放棄了洛可可風格,轉而學習林布蘭,從而建立了自由的新巴洛克風格。他有8幅肖像畫在國家藝術館。1808年拿破侖佔領西班牙時,哥雅和許多人原本希望這位征服者能帶來企盼很久的自由,可是法軍的野蠻行為使他們的希望幻滅,而當地猛烈的反抗隨之而起,哥雅一些完成於1810至1815年間的作品,就反映了這個事實,其中最偉大的就是“1808年五月三日”﹝現存於西班牙馬德里的普拉多“Prado”藝術館﹞。畫中明亮的色彩、寬廣流暢的筆觸和戲劇化的夜間光線表現出豐富的新巴洛克風格。哥雅用他銳敏的觀察力描繪冷血殺手面對受刑人絕望的神情而毫不動容的情形。

   法國十九世紀浪漫時期最著名的畫家戴拉克魯瓦﹝Eugene Delacroix 1799-1863﹞有數幅名畫是有關法國革命的題材,他在國家藝術館的一幅題名“阿拉伯人山上作戰”﹝Arabs Skirmishing in the Mountains﹞是在他逝世前數月畫的,是回憶三十年前他去過非洲所記錄,加上想像所畫的。 

  1. 寫實主義﹝Realism﹞:

     1841年像現在牙膏的顏料金屬管發明後,畫家就可以直接在室外作畫,加上火車的發明,畫家很容易旅行到各地的鄉村,於是直接繪出大自然的寫實主義﹝Realism﹞就產生了。柯洛﹝Camille Corot 1796-1875﹞是著名的寫實主義畫家,他的作品深深影響了他的學生和隨從者。真實主義的畫家,將風景和日常生活的題材的處理,和歷史畫同樣的慎重態度。另一位有名的庫爾貝﹝Gustav Courbet 1819-1877﹞也有一幅畫在國家藝術館,叫“諾曼第的海灘”﹝Beach in Normandy﹞完成於1875年,可沒想到七十年後變成英美聯軍和德軍浴血的戰場。

  馬內﹝Edouard Manet 1832-1883﹞大膽地畫出當代都市的題材,而且要觀畫者注意畫布上的色彩,他把不同顏色的斑塊並排,所以他的畫看起來尚未完成,當時飽受批評,卻為印象主義﹝Impressionism﹞鋪下道路。 

  1. 印象主義﹝Impressionism﹞:

     1860和1870年代,一群後來被稱為印象主義的藝術家,揚棄皇家學院所訂的規章而爭取藝術創作的自由。由於皇家學院一直拒絕展覽他們的作品,所以在1874年,莫內﹝Claude Monet 1840-1926﹞、雷諾瓦﹝Auguste Renoir 1841-1919﹞、竇加﹝Edgar Degas 1834-1917﹞、比沙羅﹝Camille Pissarro 1830-1903﹞和其他藝術家聯合起來開畫展。飽受批評家的譏諷,稱他們為“Impressionists”﹝印象派﹞,取自早先莫內的畫“Impression, Sunrise”,於是“印象派”之名不脛而走。12年後﹝1886﹞當最後一次﹝一共8次﹞的集體畫展終止時,很多畫家都已成名了,包括一位美國女畫家卡莎特﹝Mary Cassatt 1844-1926﹞ 。國家藝術館有很多印象主義的畫,因為當年美國人很喜歡收藏這一類油畫,主要是因為色彩鮮明又是戶外的題材。 

    14. 後期印象主義﹝Post - Impressionism﹞:

  後期印象主義﹝Post - Impressionism﹞指的是塞向﹝Paul Cezanne 1839-1906﹞、秀拉﹝Georges Seurat 1859-1891﹞、梵谷﹝Vincent Van Gogh 1853-1890﹞和高更﹝Paul Gauguin 1848-1930﹞四位風格全不同的畫家。相同的地方在於他們尋找用眼睛、智慧和感情來表達超乎外表的意義的畫法。高更和梵谷大膽地使用怪異的顏色來表達內心的感情,空間平面化或抽象化,秀拉則使用系統化的彩色點,塞向則注重形狀。莫內晚期的作品也嘗試只用光線和色彩來表達他的審美觀。

   我曾對梵谷有較詳細的介紹,可以上網www.williemaar.jay20151.com在1998年,是介紹當年國家藝術館的梵谷特展,現在還有網上畫展和他的傑作的Slide Show。 

  1. 二十世紀初繪畫;

     二十世紀初期的藝術家繼續挑戰傳統,嘗試新的表達方法或另類形狀﹝Alternative Forms﹞來表達新觀念。

    馬諦斯﹝Henri Matisse 1869-1954﹞試用生動飽和的色彩和大膽的筆法來激發強烈的感情反應,被法國批評家稱為“野獸派”﹝The Fauves﹞。俄國的康丁斯基﹝Vassily Kandinsky 1866-1944﹞則更進一步,使用抽象的形狀。畢卡索﹝Pablo Picasso 1881-1973﹞和布拉克﹝Georges Braque 1882-1963﹞共同創造“立體主義”﹝Cubism﹞ ,將立體的形狀分裂為平面。蒙德里安﹝Piet Mondrian 1872-1944﹞完全放棄任何構圖而只用直線和黑白以及三種原色:紅、藍、黃,稱為“新造形主義”﹝Neo-Plasticism﹞。接下去還有“超現實主義”﹝Surrealism﹞…等等,所謂“the list goes on and on …”。國家藝術館館長Earl Powell III說得好:「現代的藝術家,繼續在嘗試著,在同化前一派的藝術的同時又揚棄它」﹝Simultaneously assimilating and rejecting the work of their predecessors﹞,也許是說他們也不知道他們在作什麼。